Веками женщины не могли учиться живописи профессионально — у них не было доступа к учебным заведениям. В России ситуация начала меняться лишь в 30-е годы XIX века, когда они получили возможность быть вольными слушательницами в образовательных художественных учреждениях.
В 1839 году при Императорском обществе поощрения художеств появились рисовальные классы, а через три года в Петербурге открылись женские вечерние классы в Санкт-Петербургской рисовальной школе для вольноопределяющихся. Вольными слушательницами в Московском училище живописи, ваяния и зодчества стали Антонина Ржевская и Эмилия Шанкс — они были единственными женщинами, принятыми в сообщество передвижников. В 1873 году в петербургской Академии художеств разрешили заниматься в одних классах и девушкам, и юношам. Но стать полноправными студентками женщины смогли лишь в 1893 году.
Мария Башкирцева
Мария родилась в 1858 году в имении Гайворонцы Полтавской губернии. Когда ей было 12, вместе с матерью они переехали в Европу. Несколько лет они кочевали по знаменитым курортам: Ницца, Неаполь, Баден-Баден.
Несмотря на способности к рисованию, Мария мечтала стать профессиональной певицей. Ее мечту разрушила болезнь — когда девушке было 16, она заболела туберкулезом. Тогда Мария твердо решила стать художницей и в 1877 году поступила в академию Родольфо Жюлиана в Париже. Уже через 11 месяцев ее работы представили на Салоне и удостоили золотой медалью. Интересная глава ее жизни — у Марии был роман в письмах с писателем Ги де Мопассаном.
С 12 лет Мария вела дневник, который сделал ее по-настоящему знаменитой уже после смерти. Записи перевели на несколько языков, а одной из главных его поклонниц стала Марина Цветаева. Поэтесса даже посвятила Башкирцевой и ее дневнику первый сборник стихов «Вечерний альбом». Среди других почитателей ее дневника были Велимир Хлебников и Валерий Брюсов.
Мария умерла от туберкулеза, когда ей было всего 25 лет. В мавзолее, где она захоронена, хранятся ее мольберт, скульптура и картины.
Елена Поленова
Елена Поленова — сестра знаменитого живописца Василия Поленова. Она родилась в 1850 году в Санкт-Петербурге. Елена стала одной из родоначальниц модерна в русской живописи и одной из первых художников-иллюстраторов детской книги.
В семье Елены был домашний учитель рисования — студент Академии художеств Павел Чистяков. Она будет всегда называть его главным педагогом в жизни. В 14 лет Поленова поступила в Санкт-Петербургскую рисовальную школу Общества поощрения художеств (ОПХ), где её наставником был Иван Крамской. В 19 лет Елена отправляется в Париж и поступает в студию Шарля Шаплена.
Во время русско-турецкой войны Поленова встречает свою первую и единственную любовь — врача Алексея Шкляревского. Ее родители выступают против брака, Елена отчаивается и решает посвятить жизнь искусству.
В 1878 году она возвращается к обучению в Школе Общества поощрения художеств, занимается в двух классах: акварельном и керамическом. За работы по керамике она получила несколько медалей и деньги на поездку в Париж — это был исключительный случай, обычно женщины пенсионерских денег не удостаивались.
В Париже Поленова училась в керамической мастерской русских художников и у французских мастеров. После возвращения в Россию она открыла класс майолики, где преподавала живопись по фарфору.
В 1882 году Елена переезжает в Москву, где знакомится с семьей Мамонтовых и входит в знаменитый Абрамцевский кружок Саввы Мамонтова. В 1885 году вместе с женой Мамонтова Елизаветой они организуют мастерские для обучения крестьян традиционным русским ремеслам.
Сама Елена создавала и акварельные пейзажи, и костюмы для спектаклей, и эскизы для вышивки и обоев, и орнаменты для икон. Она много путешествовала по деревням, интересовалась фольклором, рисовала уникальные эскизы мебели и предметов утвари.
Одна из ее главных заслуг — иллюстрации для детских книг. Она проиллюстрировала сказки: «Дед Мороз», «Волк и лиса», «Иванушка-дурачок», «Избушка на курьих ножках». При ее жизни вышла лишь одна книга — «Война грибов», для которой она разработала весь макет, в том числе шрифт, орнаментальные вставки и иллюстрации.
Поленова умерла после болезни, когда ей было всего 47. При жизни она участвовала в выставках Московского товарищества художников, Товарищества передвижников и «Мира искусства». Долгое время Елена оставалась в тени знаменитого брата, лишь в 2011-2012 годах прошла ее первая большая персональная выставка в Третьяковской галерее.
Варвара Степанова
Варвару называют «амазонкой русского авангарда». Она родилась в Ковно (сейчас это Каунас, Литва) в 1894 году в семье чиновника. Вскоре семья переехала в Казань, где Варвара поступила в Казанскую художественную школу. Там она познакомилась с Александром Родченко — в будущем он станет ее мужем и одним из самых знаменитых деятелей искусства XX века. Школу Варвара не закончила — переехав в Москву, она начала работать бухгалтером, затем машинисткой, библиотекарем, секретарем. Живопись при этом не бросила — занималась в студии Константина Юона и посещала студию графика Михаила Леблана. В 1916 году вместе с Александром Родченко они открыли собственную творческую мастерскую.
Варвара увлеклась визуальной поэзией — она сама писала стихотворения в футуристическом стиле и изображала их так, чтобы настроение и ритм текстов передавали буквы разных цветов и размеров, яркий фон и графика. Степанова стремилась передать через рисунок, как звучит стихотворение. Она от руки создавала стихотворные сборники, так как типографии ее творчество не принимали — неформат.
В 1917–1919 годах Степанова выпустила рукописи «Гауст Чаба», «Ртны хомле», «Зигра ар» и «Глоболкым». В одной из них она вместо фона использовала газетные листы, нанося на них текст гуашью. В 1919 году художница оформила сборник «Глы-глы» поэта Алексея Крученых: она соединила в нем газетные вырезки, аппликации из цветной бумаги и рукописный текст. В том же году коллажи из этой книги и четыре страницы из «Ртны хомле» представили на V Государственной выставке картин в Музее изобразительного искусства.
Также она создала серию «Фигуры», где при помощи геометрических фигур изобразила людей в движении.
В 1921 году Степанова вместе с Александром Родченко и художником Алексеем Ганом создали Рабочую группу конструктивистов: они предлагали объединить искусство с промышленным производством. Тогда же художница приняла участие в выставке конструктивистов «5 × 5 = 25».
Вскоре Варвара увлеклась дизайном и создала несколько принтов для фабрики одежды, которые стали очень популярны. Мужские и женские фасоны, созданные Степановой, практически не отличались: так сглаживались гендерные и социальные различия.
Помимо этого она занималась редактурой журналов, создавала декорации для театра и кино и агитационно-политические журналы. В последние годы своей жизни Степанова была дизайнером журнала «Советская женщина».
Ольга Розанова
Еще одна «амазонка русского авангарда» родилась в 1886 году во Владимирской губернии. В 1905 году она переезжает в Москву, чтобы получить художественное образование, посещает Училище живописи и скульптуры Анатолия Большакова и школу Константина Юона. В 1911 году Розанова вступает в петербургское общество «Союз молодежи» и начинает писать в стиле неопримитивизма и фовизма. Ее картина «Портрет А.В.Розановой» производит фурор в творческой среде и печатается в журнале «Огонек» по соседству с работами Казимира Малевича.
В 1913 году она становится членом комитета «Союз молодежи» и пишет манифест организации: «В беспрерывном обновлении будущее Искусства!» Тогда же она постепенно начинает переходить от фовизма к футуризму. В 1914 году Ольга участвует в римской Международной свободной футуристической выставке. Затем ее работы выставляются на знаменитых выставках «Первая футуристическая выставка “Трамвай В”» и «0,10». Там выделяют ее алогистические работы, в которых супрематизм соединяется с элементами кубофутуризма.
В 1915-1916 годах она создает графические композиции для заумных стихов поэта-футуриста Алексея Крученых, которые он называет заумной живописью. В тот же период она пишет супрематические полотна, которые высоко ценил и основоположник направления Казимир Малевич. Розанова вступает в его общество «Супремус», становится секретарем организации и одноименного журнала. Начинает работать с цветописью и создает свой главный шедевр — «Зеленую полосу». Это полотно выходит за рамки всех существовавших тогда направлений, Розановой удается создать что-то поистине уникальное. Но до 1970-х годов эта картина вместе с ее автором будет предана забвению.
Вскоре после написания «Зеленой полосы» Ольга Розанова умирает от дифтерии в петербургской инфекционной больнице. Ей было всего 32 года.
Зинаида Серебрякова
Зинаида Серебрякова (при рождении — Лансере) родилась в 1884 году в имении Нескучное под Белгородом. Ее мать Екатерина Лансере была художником-графиком, отец Евгений — скульптором-анималистом. Среди близких семьи тоже было много творческих людей, а одним из первых учителей был Александр Бенуа.
Первыми работами художницы стали пейзажи, на которых она изображала родные места в Малороссии, сейчас это Белгородская область. В 1900 году Серебрякова поступила в Академию художеств в Петербурге. Учеба там ей не понравилась, она стала заниматься в художественной школе княгини Марии Тенишевой и посещать мастерскую художника-портретиста Осипа Браза. Вскоре, после путешествия по Италии, Зинаида решает учиться живописи самостоятельно, без наставников.
В 1905 году она выходит замуж за своего двоюродного брата — Бориса Серебрякова. Они отправляются в Париж, где художница берет несколько уроков живописи в легендарной Академии де ла Гранд Шомьер. Затем они возвращаются в родовое имение, Серебрякова воспитывает детей и пишет картины, вдохновляясь природой и крестьянским бытом. Одна из самых известных работ этого периода — этюд «Уборка хлеба». Две другие ее работы «За туалетом» и «Зеленя осенью» в 1908 году показали на выставке «Мир искусства» и получили хвалебные отзывы критиков.
Еще одна важная работа этого периода — ее творческого расцвета — «Баня». На ней изображен обычный банный день крестьянок — сейчас эта картина могла бы стать символом бодипозитива.
Еще одна известная работа Серебряковой «За завтраком», через нее она по-новому открыла жанр детского портрета в русском искусстве. В 1917 году она напишет картину «Беление холста» (она стоит заглавной иллюстрацией к этому тексту) — в изображенных на ней женщинах, по замыслу Серебряковой, заключается душа вечной России.
В начале 1919 года семья переезжает в Харьков. В этом же году от тифа умирает муж Зинаиды Борис — она остается одна с четырьмя детьми на руках. Но живопись не бросает. Вскоре Серебряковы перебираются в Петербург, где Зинаида напишет чудесную балетную серию из закулисья Мариинского театра.
В 1924 году Зинаида оставляет мать и детей и уезжает во Францию. Эмиграция затянется на 43 года. Ей удастся побывать в Марокко, где она создаст несколько прекрасных этюдов.
В 1965 году в Советском Союзе откроется сразу три выставки Серебряковой — в Москве, Киеве и Санкт-Петербурге. Тогда художнице было уже за 80 — ее настигла настоящая слава, музеи скупали картины, альбомы выпускались миллионными тиражами. Через два года Зинаида Серебрякова уйдет из жизни, так и не вернувшись в Россию. Ее похоронят во Франции.
Любовь Попова
Любовь Попова родилась в Московской губернии в 1889 году в богатой купеческой семье. Ее отец был покровителем искусств, а среди родственников по линии матери было множество деятелей культуры, историков и коллекционеров. В 1907 году девушка поступает в студию Станислава Жуковского, а затем переходит в частную художественную школу Константина Юона и Ивана Дудина. Вскоре художница отправится в Италию, где возьмет несколько уроков живописи. Попова много путешествует и по России, что оказывает влияние на ее творческую манеру: она обращает внимание на работы древнерусских мастеров. Также она изучает французскую живопись, некоторые ее работы вдохновлены творчеством Сезанна, где-то слышны отголоски готического искусства.
Значимым этапом в творческом развитии художницы стала поездка в Париж в 1912 году. Там она знакомится с кубизмом, который вскоре занимает центральное место в ее работах. Летом 1913 года Попова создает кубофутуристическую серию композиций с обнаженными фигурами, в которой французский кубизм сплетается с русским авангардом. В 1914 она выставляется вместе с «Бубновым валетом» и вскоре снова отправляется в путешествие по Италии.
Художница активно занимается кубофутуризмом, создавая, в первую очередь, натюрморты и портреты. Постепенно она приходит к собственному варианту беспредметной живописи, в котором сочетаются и принципы древнерусской живописи, и приемы авангарда.
В 1916-1917 году она участвует в создании общество «Супремус» под предводительством Казимира Малевича. В 1918 выходит замуж за историка искусства Бориса фон Эдинга — через год он умрет от тифа. Попова долго не может прийти в себя и вернуться к работе. В 1921 году она создает цикл «Пространственно-силовых построений» — это будет ее последняя работа. Она оставляет занятия живописью и начинает преподавать.
Попова сближается с конструктививстами и участвует в их выставке «5 × 5 = 25». С 1923 года начинает заниматься производственным искусством — работает в полиграфии, делает эскизы тканей, проектирует одежду. Любовь также будет работать с декорациями и станет одной из создательниц театрального конструктивизма. Она скоропостижно скончается от скарлатины в 1924 году в возрасте 35 лет.
Александра Экстер
Экстер родилась в 1882 году в Гродненской губернии, ее детство и юность прошли в Киеве. Она закончила Киевское художественное училище, где познакомилась среди прочих с Аристархом Лентуловым. Во время учебы Александра выходит замуж за двоюродного брата, адвоката Николая Эстера.
В 1907 году Экстер отправляется в Париж, где посещает парижскую академию Гранд-Шомьер и знакомится с Павлом Пикассо и Гийомом Аполлинером. Художница много путешествует по Европе, выставляется на родине и в парижских Салоне Независимых, а также принимает участие в легендарной выставке «Золотое сечение».
Александра становится инициатором первых выставок «Современного декоративного искусства» в России. В 1914 году она участвует в «Первой международной футуристической выставке», организованной галереей Джузеппе Спровьере в Риме. Ее работы высоко ценятся во французских модернистских кругах.
В своих работах она все больше склоняется к абстракционизму. Весной 1915 она принимает участие в радикальной авангардистской выставке «Трамвай В», организованной Казимиром Малевичем в Петрограде. На ней были представлены четырнадцать масштабных кубофутуристических полотен и несколько городских пейзажей — футуристическое видение «Флоренция», «Синтетическое изображение города» и «Парижские бульвары вечером». Тогда же она вступает в объединение «Супремус».
Александра Экстер «Венеция», 1918 г., Государственная Третьяковская галереяЕе творчество было поистине уникальным — находясь далеко от Москвы, она практически избежала влияния обществ и других художников и выработала свой язык живописи. Она разрабатывает множество композиционных решений, цвета на ее картинах взаимодействуют друг с другом, вопреки принципу супрематизма.
В 1917 году Экстер открывает собственную студию в Киеве, которая становится настоящим центром авангарда в городе. Тогда же случается ее настоящий триумф в Москве — на выставке «Бубнового валета» два зала полностью заняты ее работами. В 1920 она сбегает в столицу, участвует в конструктивистской выставке «5 × 5 = 25», ее работы представляют в Берлине и на Венецианской биеннале.
Помимо прочего Экстер занимается оформлением спектаклей, книг, создает эскизы для парадной формы Красной армии. В 1924 году она эмигрирует в Париж, где остается до конца своей жизни. Во Франции она сосредотачивается на работе в театре, ее работы продолжают выставляться в разных европейских городах. В 1930-40х Экстер занимается оформлением рукописей. В 1949 году она скончалась под Парижем.
Наталья Гончарова
Родилась в 1882 году в Тульской губернии, там же прошло ее детство. Среди ее предков — жена Александра Пушкина Наталья Гончарова. В 1901 году девушка поступает в Московское училище живописи, ваяния и зодчества на скульптурное отделение. Там она знакомится со своим будущем мужем Михаилом Ларионовым. Под его влиянием она увлекается импрессионистской техникой, начинает работать в этом направлении. Она переходит в мастерскую живописи, где ее учителем становится Константин Коровин. В 1909 году ее отчисляют из училища из-за того, что она не оплатила обучение.
Гончарова посещает Париж, где знакомится с живописью Поля Гогена и увлекается фовизмом, кубизмом и примитивизмом. Первая персональная выставка в Обществе свободной эстетике оборачивается для нее арестом — Гончарову обвиняют в порнографии, правда, уже на следующий день оправдывают.
В 1913 году проходит ее большая выставка в «Художественном салоне» на Большой Дмитровке в Москве — на ней представлено более 700 работ художницы. Она завершается выпуском первого каталога-монографии, посвящённой Гончаровой и Ларионову под редакцией Зданевича. Ее работы представляются на различных выставках в Москве, Петербурге и европейских столицах.
Наталья Гончарова стала одной из немногих художниц, за которой велось настоящее политическое преследование. До нее статья о порнографии не применялась к работам, имеющим художественную ценность.Можно заметить сексисткий характер обвинений — автор заметки, обличающий ее в порнографии, возмущен тем, что именно женщина позволила себе нарушить моральные нормы. В 1911 году полиция потребовала убрать с выставки «Бубнового валета» картину Гончаровой «Бог плодородия», а в 1912 году против показа четырехчастного цикла «Евангелисты» на выставке «Ослиный хвост» выступила церковь.
В 1914 году арестовывают 22 картины с персональной выставки Гончаровой в петербургском «Художественном бюро» — арест санкционировал обер-прокурор Синода. Сама Гончарова так комментировала все акты цензуры, направленные против нее: «Если у меня и происходят столкновения с обществом, так только из-за непонимания последним основ искусства вообще, а не из-за моих индивидуальных особенностей, понимать которые никто не обязан».
В 1915 году Сергей Дягилев приглашает Гончарову и Ларионова для постоянной работы в его «Русских сезонах», и они уезжают из России. Первой работой Натальи в труппе Дягилева стала сценография оперы-балета «Золотой петушок».
Гончарова путешествует по Европе, отдельный период ее творчества связан с Испанией. Ее работы регулярно выставлялись в парижских галереях «Осенний салон» и Салон независимых, а в июне 1931 года состоялась ее первая зарубежная выставка. В 1961 году в Лондоне была организована крупная ретроспектива работ Ларионова и Гончаровой. Еще одна большая выставка будет организована в парижском Музее современного искусства уже после ее смерти в 1962 году.
